这部《跳出我天地》由英国著名导演史蒂芬·戴德利执导，这虽不算他最广为人知的作品（他的著名作品有《朗读者》《时时刻刻》），但其动人的力量并未有丝毫减弱，豆瓣评分高达8.8分，是评分最高的歌舞片之一top5。这部电影其审美性并不仅仅在于其歌舞与叙事几近完美的配合上，更是在于它所流露的艺术作品所需具有的那份贺拉斯所提倡的“寓教于乐”功能上。
电影围绕一个出身底层的男孩追逐芭蕾舞之梦展开，不动声色地展现了物质的贫瘠没有阻碍爱的崇高，而这份爱的阐释则关乎梦想、关乎亲情、关于世间大爱。
作为一部歌舞片，《跳出我天地》的重点与传统的好莱坞歌舞电影以歌舞的形式使人物之间产生互动不同，传统的好莱坞电影试图通过歌舞的方式对话，使人物主角产生亲密的交流。像前几年大火的歌舞片《爱乐之城》，男女主角便是通过一段歌舞拉近了彼此的心理距离。
而《跳出我天地》的歌舞元素是内倾的，电影里大部分歌舞的场景几乎都是小男孩主角艾略特独自起舞，这是属于人物主角自己的话语。电影的英文片名是男孩的名字“billy elliot”，似乎与中文片名形成了微妙的对照。这是一部讲述一个男孩独自舞蹈跳出天地的故事，在舞蹈中他已忘却周遭，达成了“忘我”之境，于是乎歌舞并非是人物情感互通的交流，而是主角自我情感的宣泄。
电影的叙事结构是线性叙事，却并未因此丧失它的叙事情境的魅力，这主要是因为电影叙事性镜头的特别之处。丹尼尔·庞德指出：“去探询身体在叙事中的角色便意味着结束了一个长久以来的传统：即把阅读设想为脱离肉体的、纯智力的或者经常是精神体验的方式。”尼采同样在《权力意志》里全方位批判了宗教对于肉身的禁锢，认为肉身是人体权力意志的表现。于是乎，身体并不仅仅是一具抛却思想的纯粹肉身，而是蕴含着无尽经验诉求以及理性情感的象征，这也是为何西方绘画与雕塑如此喜爱刻画人体的一大原因。在这部电影中，身体叙事对人物心理的刻画起到了巨大作用。
电影一开场，艾略特在进行拳击比赛，此时他的身体并不敢舒展，有些畏畏缩缩的，于是他最终只能被击倒在地。在被迫留下来练习打沙袋时，他在目睹隔壁教芭蕾舞后，打沙袋的动作明显轻盈与雀跃很多，这便为之后她陷入对芭蕾舞的迷恋留下了一个伏笔。
而在之后，在艾略特因家中出事而心中积郁无法集中注意力跳舞时，他的老师要求他不断重来，终于使他崩溃后逃离，这是对自我的一种不确定。他不清楚自己能不能成功，也不清楚自己会否得到已贫穷如洗的父亲的支持（甚至父亲对男生跳芭蕾舞持有偏见）。当发泄完后，他终于还是回到场地继续练习，此时电影镜头对着的是镜子里的艾略特，他在一遍遍重复舞蹈动作。
康德的镜象理论中提到，“自我在世上所产生的对自我的怀疑，需要通过一个像“他者”（镜象）的东西来不断肯定自身，它能对自我进行的塑造贯穿人的一生。”此时镜中舞蹈着的艾略特便已成为他的“本我”。如果说此时芭蕾梦是一个萌芽的状态，在被父亲禁止跳舞的那场疯狂的舞蹈便是对当下处境的一种抗争，是被压抑的情绪的倾吐。镜头跟随着他舞蹈摆动的身体，释放出打动人心的能量。
此时，空间也成为一种有暗喻的指代，空间叙事也充当了推进剧情的手段。在那场疯狂的舞蹈里，艾略特原本处于一个封闭的院子里，四周都是砖砌的墙，他在这之间舞蹈却无法逃脱，他被困住了。他拼命的边跑边跳，一直到海岸边的一堵高门下才停止，此刻的空间已然不再是囚牢式的四四方方，但却依旧有一堵高墙阻止了他向更广阔的天地而去。
真正的突破口是艾略特终于坚定地在父亲面前起舞，这是身体叙事的高潮，就如同在《芳华》里，得了精神病的苗苗自由起舞一样。艾略特四肢自由的舞动，眼神坚定。也正是如此，他通过舞蹈向父亲传达了自己的信念，由此，父亲认可了他。
电影的最后一个镜头，是长大后担当了首席舞者的艾略特在舞台上奋力一跃，身体的舒展与黑暗的仿佛无边的空间达成了和谐的统一，他破除了现世的藩篱，呈现给我们一个自由自在的舞者形象，跳出了他的一片天地。
电影内涵深刻之处还在于故事所处的背景格局并非在个人，而是一个阶层：工薪阶层，于是在天真的儿童视角下，孩童的天真与现实的残酷相对照，愈发暴露出底层阶级遭受社会不公的现象。
1984年3月，英国爆发了长达一年的矿业工人罢工的事件，后以失败告终。15年后，《跳出我天地》这部电影唤醒了大家快要遗忘的过往，以弱化了阶级矛盾，将目光对准下层阶级内部的方式，向我们揭示了一个残忍却充满柔情的真相。
艾略特的母亲在他很小便去世，他的父亲与哥哥都不善言辞，是典型的具有大男子主义倾向的人。父亲与哥哥都参与着这场罢工行动，并且哥哥还是领头人。面对艾略特一开始喜欢芭蕾，爸爸和哥哥都表示那是娘娘腔才跳的。然而电影并非想要跟我们展示什么反抗父权的斗争，他没有让父亲如何阻止艾略特跳舞，也没有让艾略特为此进行激烈的抗争，而是在一种无言的、温柔的方式化解矛盾。
在艾略特当着他父亲的面坚定的舞蹈后，父亲转身狂奔，没有抱着孩子痛哭抑或讲述苦衷。父亲想通的过程也并没有通过大段的台词表达，而是在那个夜晚让父亲静静地坐在艾略特的床边，一言不发，第二天乘上复工的大巴。这样隐忍的叙述都抛却在艾略特所知的范畴之外，导演没有想让这个孩子承担他不应当承担的大人的世界，就像《美丽人生》里父亲欺瞒儿子集中营是一场冒险一般。导演用侧面的手法描述父爱的无疆来衬托底层民众生活的不易，而这种反衬只会让人物的命运在这样的天真之下显得更为让人揪心。
导演甚至没有明确交代故事发生的背景，只是多次通过对比的手法渲染“残酷”与“天真”的两种极端，造成视觉上的冲击，比如多次拍摄到艾略特背着他装舞鞋的背包穿过武装的警察，罢工没有收入来源时，父亲将妻子留下的钢琴砸烂取火，而当时却正逢值得欢庆的圣诞节。几乎所有现实的残酷都并未让艾略特直接感受，而是以一个孩童半知未解的目光，默默地注视着这一切。
孩子无法感受现实真正的残酷，于是他们乐天的精神显得楚楚动人。在现实残酷与纯真童年两者完美的融合下，交织出一股面向所有年龄层可感受的情感，于是这部电影显露出“常看常新”的内涵，因为在每个年龄阶段，都会有新的解读。
艾略特对于芭蕾的爱，是一股像被神指引的爱，他在面试时甚至无法具体说出他爱芭蕾究竟是出于什么。但芭蕾对于他命运的改变却绝对不止是改变了他的阶级那么简单。他一开始并没有把芭蕾当做自己的梦想，甚至屡次想逃跑，这是因为芭蕾所象征的阶级以及它的主体桎梏了艾略特。
芭蕾的主体在刻板印象里应当是女性，电影里也多次提到艾略特质疑自身是个男孩是否可以跳芭蕾，而芭蕾背后所代表的阶级与艾略特的工人阶级也是不相符的，于是双重矛盾下这个梦想总是被悬置。然而梦想的力量便是如此，艾略特无法停止他的舞蹈，在舞蹈中他忘却自我，忘却尘世，一切的矛盾都能这样自由的舞蹈里得到平和的消解。
梦想之爱给予了艾略特改变命运的内因的动力，那么世间大爱便为他谱写了未来。艾略特跳出他的天地，既有梦想的触动，也有无言的爱作为支撑。挖掘艾略特舞蹈天赋的女老师，并未想在艾略特身上寻求什么回报。“伯乐”的设置向来标志着一份人道主义情怀，《心灵捕手》里的大学教授，《放牛班的春天》里的音乐老师，他们以其追求真理的态度，塑造着人性的光辉。
另一份爱的力量则源自于那隐秘而深沉的亲情，没有亲情的支撑，艾略特或许将失落于他的梦想。这也从另一层面昭示着工人罢工的失败或许并非源自上层建筑的压迫，而是他们为爱做了妥协，就像电影中的父亲一样，为了能让自己的小儿子去皇家音乐学院，不得不“背叛”自己的信念，去复工。
电影中的艾略特不得不让我们想到那位著有《荒原》的英国著名诗人艾略特，或许他们的同名只是个巧合，也或许真的是导演别有用心。
然而这部描述底层少年追梦的电影是以如此柔情的手法刻画着残酷的现实，不得不让我们想到艾略特那残酷又柔软的诗。请原谅我擅自用他的话来作为这部电影做结：“做有用的事，说勇敢的话，渴望美好的事，一生足矣。”
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