如今对于正经影迷来说，像艾曼努尔·卢贝兹基和爱德华·拉奇曼这样的电影摄影师和他们合作的导演一样具有吸引力。
罗杰·迪金斯在电影《银翼杀手2049》中创造的视觉效果也同样令人震惊，其中最引人注目的就是他对色彩的运用：几乎每个镜头都有不同的调色板。
自20世纪初以来，彩色电影技术就在不断尝试。但是直到30年代末，《绿野仙踪》和《乱世佳人》获得巨大成功，彩色电影才成为国际电影的主流。
1947到2011年，我们从斯托拉罗、卢贝兹基等电影摄影师的作品当中，选出了12部有史以来色彩表现最棒的电影。
在伟大的制片厂时期，像杰克·卡迪夫这样的摄影师是非常罕见的。在为黑白电影工作了很多年以后，他的作品在向彩色电影过渡的过程中变得更好。
在形容电影摄影师的工作时，“画家”是一个被过度使用的词汇，但是用它来形容卡迪夫是百分之百贴切的。在创造光影效果的时候，这位自学成才的艺术家将维米尔这样的大师奉为榜样。
与其他也在使用彩色调色板的好莱坞同期相比，卡迪夫的调色板要基础得多，但是他的电影仍然带有一种超凡脱俗的质感，那就是柔和的美。这在迈克尔·鲍威尔和埃默里克·普雷斯伯格导演的电影《黑水仙》中体现得最为真实。
卡迪夫在制片厂后面的空地上创造了一个近乎神秘的山中世界，故事讲述的是一群修女被喜玛拉雅山的美景迷住而失去自我控制。
这部电影难拍的原因在于，这些角色的歇斯底里几乎完全是由环境氛围所驱使的。但是在卡迪夫的手中，他们的精神危机变得切实有形，画面将观众带入一个电影世界，让他们仿佛置身于天堂和世界尽头之间。
看到好莱坞的技术人员手中拿着三色带彩色胶片，仍然是电影的一大乐趣。
在制片厂时期，好莱坞创造的配色方案突然出现了大量的电饱和（和分色），以至于到了今天都没有任何先进的数字技术能够复制这种配色方案。
在电影《深锁春光一院愁》中，道格拉斯·塞克和他伟大的摄影指导拉塞尔·麦蒂（合作成就了1950年代情景剧的类型范例）用彩色胶片如糖果般的鲜艳画面，为身处郊区的寡妇主角（简·怀曼饰）铸造了一座监狱。
这个角色的中心冲突是维持中产阶级完美表象的压力，以及她对深情又年轻的园丁（罗克·赫德森饰）的爱意。
麦蒂总是会在电影的关键时刻悄悄进入低调的黑色照明，用色彩来揭示隐藏在多彩画面下的情感真相。
50多年后，导演托德·海因斯想要试试看他是否能够在电影《远离天堂》中使用塞克用过的那种1950年代的情节剧视觉语言。
海因斯让他的摄影指导爱德华·拉奇曼在新泽西的外景拍摄地尝试重现《深锁春光一院愁》的调色板和制片厂风格。
拉克曼是一名技术奇才，他做足了功课，成功地设计了一个架空网格照明方案（尽管使用的是10英尺高的室内天花板）以及一个令人眼花缭乱的饱和调色板（尽管2002年的胶片库存有限），他甚至找到了一种控制阳光的方法，让室外实景有了一种外景场地的感觉。
和塞克的电影一样，表面的美丽是一种压抑的形式，它禁锢着和种族主义、性别歧视以及恐同症做斗争的角色，同时以令人惊艳的配色方案描绘着他们的情感状态。
卢基诺·维斯康蒂导演的电影《豹》捕捉了一个伟大的转变时刻。一位上了年纪的意大利王子（伯特·兰卡斯特饰）眼睁睁地看着自己珍视的旧世界传统在社会动荡中被冲垮，而年轻一代（以他的侄子为代表，阿兰·德龙饰）已经不再奉行过去的生活方式。维斯康蒂的扫摄镜头和朱塞佩·罗通诺的摄影技术捕捉到了这一历史转变，同时颂扬了过去。
在著名的宴会厅场景中，他们让贵族生活看起来如歌剧般的宏伟和金黄；而在白天的场景中，从城堡的窗户透出来的光线暴露了饱受磨损的城堡上的物理裂缝。
这部曾因上映而惨遭“屠杀”的长篇巨作，已经被包括马丁·斯科塞斯在内的铁杆影迷们修复，让现代观众得以发现这部1963年戛纳金棕榈奖得主的荣耀。
人们倾向于把维托里奥·斯托拉罗在《同流者》中展现的摄影称为“梦幻”，但是没人有过这么美好的梦。贝纳尔多·贝托鲁奇的表现主义倾向以及斯托拉罗用色彩创造情感的方式，是导演和摄影师在电影摄影天堂里的完美结合。
这部电影以1936年为背景，讲述了马塞洛（让-路易斯·特林提格南特饰）带领法西斯暴徒去刺杀一名反法西斯教授的故事。
带领暴徒找到教授是极大的人类背叛行为，但是通过一系列的闪回，马塞洛意识到他是逐渐走上这条道德妥协（和法西斯主义）道路的。斯托拉罗用独特的色调描绘了一个个辉煌的场景，捕捉到了人物心灵的慢慢流露。
巴黎的场景是郁郁葱葱的，有着饱和的颜色以及预示着美好时刻的温暖色调。而罗马的场景是缄默的，当马塞洛背叛他自己的时候，我们能感觉到照明变得残酷。
从未有人以如此富有表现力的光线和色彩来描绘如此复杂的人物，《同流者》可以说是彩色电影摄影史上最伟大的成就。
派拉蒙高管看到《教父》开头片段的时候，肯定都要心脏病发作了，我们很难不去同情他们，因为从来没有哪位电影摄影师像戈登·威利斯那样挑战观众在黑暗中的视觉感受。
当我们用黑色照明探索阴影世界的时候，总会有方向性很强的主光在定义构图。但是威利斯极其精准的构图，和导演弗朗西斯·福特·科波拉精湛的调度，似乎对曝光规则和基本的三点布光提出了质疑。不同于当时的任何电影，这种拍摄方式更像是文艺复兴时期的绘画作品。
从前两部《教父》不同的画面风格也可以看出来，威利斯不仅仅是位“黑暗王子”（电影摄影师兼朋友的康拉德·霍尔给他起的绰号）。
从柯达胶卷风格的婚礼，到迈克尔（阿尔·帕西诺饰）在阳光充沛的西西里岛上的爱情故事，再到ib彩色胶卷拍摄的青年维托·柯里昂（罗伯特·德尼罗饰）华丽的移民故事。
威利斯创造的一系列画面风格都令人不可思议，这些画面组合在一起就造就了有史以来最具标志性的系列电影之一。
如果要具体地从技术上解释《巴里·林登》的催眠之美，那么就是使用了由nasa设计，快速到只用烛光就可以照亮夜景的70mm镜头、精确到时期的拍摄地点、以及让库布里克可以以精确构图追求完美的看似无休止的镜头。
但是“《巴里·林登》仅仅是被技术和库布里克的形式主义提升了的自然主义电影”这样的说法完全削弱了电影摄影师约翰·奥尔科特的艺术贡献。
想要在如此宏伟的室内环境中获得单光源自然光（经常是在冬天以超广角进行拍摄），奥尔科特需要制造光线，而这需要大量的测试。
奥尔科特使用mini-brute灯和描图纸给库布里克的画面配上灯光，以反映那个时代的绘画风格。他避开了当时的漫射光效，清晰地捕捉到了爱尔兰雾蒙蒙的氛围。
库布里克的电影之所以能够慢慢地吸引观众，是因为奥尔科特在画面中添加的东西把我们带入了不可思议的美丽当中。
电影摄影师内斯托尔·阿尔门德罗斯拍摄的《天堂之日》非常出色，看起来像是一直都在光线最完美的魔幻时刻（magic hour）拍摄的。每一个镜头都给人时间流逝的感觉，德克萨斯州狭长地带的短暂美景不仅仅是电影中的一个角色。
就像年轻的琳达·曼兹异想天开的画外音和恩尼奥·莫里康内神奇的配乐一样，它让电影中理查德·基尔、布鲁克·亚当斯和山姆·夏普德组成的危险三角爱情都相形见绌。
很大程度上，泰伦斯·马力克的这部作品被认为是拍摄美的一次徒劳尝试，但是在《天堂之日》之后他消失了17年，电影界才开始逐渐认识到，这其中存在着更大的诗意，它被运动和光线赋予了节奏感。
马力克在90年代末以神秘的传奇形象回归，同时也成为了更为松弛的电影制片。但是看到阿尔门德罗斯华丽而自律的影像被精心拼凑成更有凝聚力的叙事，马力克用光讲故事的能力仍然是他的最高成就。
在电影《银翼杀手》中，摄影师乔丹·克罗嫩韦思有一个特别的任务，就是要创造一些全新的东西，不以任何现实或电影惯例为基础，但是要以故事的切有现实为基础。
一向大胆创新的摄影指导想到要用非传统光源，即以前从未在电影中使用过的氙气灯、荧光灯和霓虹灯，来创造未来之光。
不寻常的光源（主要是氙气灯）产生了宽阔的定向光柱，这些光柱是没有动机的（它们不是在模仿真实的光源），同时像探照灯一样地移动。
克罗嫩韦思的灯光设计激活了场景以外的未知世界。这些灯光让人们相信，在这个混乱的反乌托邦世界里，控制权掌握在未知的力量手中。
克罗嫩韦思的照明风格是黑色的，但是要比经典黑色电影中的光源更多。强大的定向光源在画面中形成了锐利的黑暗区域，在单独的场景中创造出大量的光和影。
这些光线照亮浓重的烟雾、雨水和霓虹灯，凸显了画面的质感。在《银翼杀手》宏大的未来主义场景中，电影的质感和氛围让故事背景感觉更为真实。
尽管《银翼杀手2049》让罗杰·迪金斯获得奥斯卡最佳摄影，但是是克罗嫩韦思的灯光设计改变了现代电影摄影，创造出了一些新奇又惊人的东西。
黑色照明和黑白有关，但是在电影《七宗罪》中，达吕斯·康第以创造性的方式提高了低调照明的使用（那些手电筒！）并且通过图像捕捉黑暗的氛围，而这正是大卫·芬奇在视觉和主题上都最为黑暗的电影。
在这个略带绿色的、不饱和的世界里，康第仍然能找到温暖、柔和的光线来定义他的作品。独特的镀银工艺让这部电影呈现出现代彩色电影中最令人满意的黑色。
康第从中间色调中提取了丰富的元素，使这部电影有了它的核心：一种柔和的光芒，在面对邪恶角色的时候，人性所散发出来的一种暗淡温暖的希望之光。
在数字时代，转动一个转盘或者插入一个lut就能达到这种阴郁的感觉，康第以其独特的画面质感、光线模拟以及令人难忘的美丽时尚创造出了一种绝望。
没有哪位导演能像王家卫那样，通过色彩、质感和光线的表现力，捕捉到如此丰富的情绪和感觉；也没有哪部电影能像《花样年华》那样，在视觉上如此完美地表现出被压抑的角色的内心世界。
他和三位重量级电影摄影师（杜可风、关本良以及李屏宾）的合作，使得每分钟的动作和眼神都被电影独特的红色色板、感性的光线以及烟雾缭绕所强化。
在这部电影中，你不仅可以感受到这种亲密且不言而喻的情感，似乎还可以触摸到它。
墨西哥电影摄影师艾曼努尔?卢贝兹基与亚利桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里图、阿方索·卡隆以及泰伦斯·马力克的合作，显然已经定义了21世纪的最佳摄影。
但是卢贝兹基最伟大的作品可能还是那首用光讲述的视觉诗篇《生命之树》。在电影《新世界》中，卢贝兹基为马力克的视听语言增加了一个重要的新层次，而在《生命之树》中，导演则说服摄影指导要释放情感，对瞬间做出实时反应。
马力克作品中一直出现的精神性元素，是意识到人类的存在只是浩瀚宇宙中的一片薄暮。而这个主题在这部电影中得到了大胆的探索（包括涉及到宇宙创造的场景间的切换）。
最好的表现是卢贝兹基追逐光线的方式，以及他所描绘的家庭图景，拥有明亮灵魂的母亲（杰西卡·查斯坦饰）和充满毁灭性黑暗的父亲（布拉德·皮特饰）之间的无止境斗争。
对马力克来说，这种拍摄方式并不新鲜，但是这位摄影大师将他对于活着的痛苦的痴迷带到了一个全新的高度。
本文由电影摄影师编译自：indiewire.com
原文作者：chris o'falt
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